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La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Para cualquiera que pueda argumentar que la moda es trivial o espumosa, su peso en la literatura no puede ser subestimado. Acabo de asistir al Festival Literario Franco-Irlandés, donde periodistas de Vogue y Elle discutieron con novelistas y guionistas la importancia de la ropa en la narración. La ropa realza la caracterización, nos pone en los zapatos de los extranjeros, permite que habitemos paisajes extranjeros. Hablando a su poder, Mark Twain dijo: "La ropa hace al hombre, las personas desnudas tienen poca o ninguna influencia en la sociedad." En esta lectura vamos a contar los siete momentos más influyentes en que la ficción y la moda se han colisionado juntas.

7. Giacomo Leopardi

En el poema de Giacomo Leopardi titulado "El diálogo entre la moda y la muerte", explora la transición de la moda y la compara con nuestra propia mortalidad: "Moda: ¿No me reconoces? Muerte: Debes saber que tengo mala vista, y estoy sin gafas. "Moda: Soy Moda, tu hermana ... ¿No recuerdas que ambos nacimos de Decay? Ambos ganamos igualmente por el cambio incesante y la destrucción de las cosas aquí abajo, aunque lo hagas de una manera, y yo en otra.”

La moda es retratada como un factor sombrío ayudando y ayudando a nuestra desaparición, y aunque escrito en 1824, el sentimiento es extrañamente aplicable tanto al medio ambiente de moda de hoy en día en el que ocurren catástrofes como el Rana Plaza y nuestra industria de lujo en la que los diseñadores como Alexander McQueen, cuyo trabajo se celebra por su danza oscura y hermosa con la muerte, sucumbe al suicidio a los 40 años.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Orlando First Edition, The Hogarth Press 1928 Fuente: www.smith.edu/libraries, y Burberry, septiembre de 2016

6. Virginia Woolf

"La ropa tiene oficios y usos más importantes que simplemente para mantenernos calientes; Ellos cambian nuestra visión del mundo y la visión del mundo de nosotros ", escribió Virginia Woolf en Orlando, la historia de 1928 de un noble que pasa a través del tiempo, se mueve sin esfuerzo entre géneros, vestida con pieles y cordones, sin nunca envejecer. La versión cinematográfica de 1992 invitó al andrógino favorito de la moda, Tilda Swinton, a ocupar el papel principal y al genio de Quentin Crisp para interpretar a la Reina Isabel I. La novela de Woolf fue un éxito contemporáneo a pesar del tema inusual para una escritora pero su apelación permanece preparando el escenario para el inconformismo de género de hoy. De Bloomsbury a Burberry, Christopher Bailey hizo referencia a Orlando en su show femenino de septiembre de 2016.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Fuente Wikimedia Biblioteca del Congreso, Fotógrafo, Napoleón Sarony, 1882

5. Oscar Wilde

Oscar Wilde, un favorito perenne de los diseñadores de moda, fue la influencia central en la colección de ropa para hombre de otoño de 2017 de Alexander McQueen. Las palabras de Wilde, "La moda es una forma de fealdad tan intolerable que tenemos que cambiarla cada seis meses" presagian el consumidor de los medios de comunicación social, quienes ansían la novedad como nunca antes. Como editor de la revista de moda, El Mundo de la Mujer , predijo en 1887 que el vestido de ambos sexos sería asimilado con mujeres que abrazaran el estilo masculino. Sus sombreros de ala ancha, largos mechones y terciopelos suntuosos, atraían tanta atención como sus novelas y obras de teatro, pero eran su atracción del deseo masculino, innombrable en ese momento, lo que hizo que aterrizara en la cárcel de Reading. Sin embargo, nunca perdió el estilo: "Si uno se comporta mal, uno debe comportarse mal en un vestido que lo convierta." Palabras para vivir.

4. Margaret Mitchell

En la novela de Margaret Mitchell de 1936 Gone With The Wind , el estilo de vida de Scarlett O'Hara en el Confederate South, está amenazado por la inminente libertad de los esclavos de su plantación. Pero nuestras simpatías se encuentran con esta pobre niña rica, cuando se ve obligada a aplastar sus escasos recursos y conjurar un vestido de ... cortinas. ¿De qué otra manera enredará a su héroe, y el dinero que trae consigo? ¿Quién no ha retrocedido lejos de su armario en una noche de sábado y deseó que tal inspiración estuviera a mano? Cuando ella se vuelve hacia su sirviente y le dice: "Váyase al ático y consiga mi caja de patrones. Mamá ... voy a tener un vestido nuevo", podríamos cerrarnos a su sentido de demanda, pero en estos tiempos de moda rápida, no podemos criticar su creatividad y hambre.

3. Bret Easton Ellis

Este pasaje del bestseller de Bret Easton Ellis, American Psycho , que gira en torno a una discusión de la banda U2 entre el narrador, el adulto típico y promedio vestido de asesino en serie, y una cita, nos invita a reflexionar sobre la apasionada relación de el yuppie de los años 80, con la moda italiana:

“ "El lleva Armani", grita, señalando al bajista. "Eso no es Armani", le grito. “- Es Emporio.” "No," grita ella. “Armani. Los grises están demasiado apagados y los taupes y las marinas también ... Las solapas con alas definidas, los cuadros sutiles, los lunares y las rayas son Armani, no Emporio.” Grito, extremadamente irritada porque ella no sepa esto, no puede diferenciar, coloco ambas manos cubriendo ambas orejas. Hay una diferencia.”

Bueno, ella esta claramente informada. Imagina no saber diferenciar en la línea difusa entre Armani y Emporio.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Audrey Hepburn en Breakfast at Tiffany's. Captura de pantalla del trailer

2. Truman Capote

La novela de Truman Capote en 1958 Desayuno en Tiffany’s lanzó a la querida Holly Golightly en el mundo de la moda. Aunque la industria pudiera creer que ella era el producto del taller de Hubert de Givenchy, el diseñador encargado de equipar a la actriz Audrey Hepburn para la versión cinematográfica, su trabajo ya estaba más o menos hecho, como podemos ver por las líneas de Capote:

"Era una tarde cálida, casi verano, y llevaba un delgado vestido negro, sandalias negras, un collar de perlas. A pesar de su elegante delgadez, tenía salud con aires de solo cereal para el desayuno, una limpieza de jabón y limón, un rugido rosado oscurecido en las mejillas ". El encanto urbano y nocturno de Golightly ha sido una referencia para los diseñadores desde entonces y ha consolidado nuestro apego al" pequeño vestido negro ".

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Miss Havisham: Wikimedia Por Harry Furniss de la edición de la biblioteca de Great Expectations, creada el 31 de diciembre de 1909.

1. Charles Dickens

El último "matrimonio" de la moda y la ficción nos lleva de nuevo a donde empezamos: Moda = decadencia = muerte. Me refiero a la gran dama de los clásicos victorianos, el momento fantasmagórico; Amarga, esquelética y encerrada en su habitación junto a su torta de bodas podrida, la señorita Havisham de Charles Dickens de Great Expectations . Los pasajes que la describen en llamas representan posiblemente la imagen más visualmente emocionante para penetrar en la mente de muchas niñas impresionables, ciertamente más poderosas que cualquier otro ejemplo moderno de efectos especiales de Hollywood, pero son las palabras usadas para describir el primer encuentro de Pip con ella, que han inspirado a diseñadores por décadas. Es fácil ver por qué:

"Estaba vestida con materiales ricos - satines, encajes y sedas - todo de blanco. Sus zapatos eran blancos. Y tenía un largo velo blanco que colgaba de su cabello, y tenía flores de novia en el pelo, pero tenía el pelo blanco. Algunas joyas brillantes brillaban en su cuello y en sus manos, y algunas otras joyas brillaban sobre la mesa. Vestidos, menos espléndidos que el vestido que llevaba, y los troncos medio llenos estaban dispersos. No había terminado de vestirse, puesto que no llevaba más que un zapato; el otro estaba sobre la mesa, cerca de su mano; su velo estaba medio arreglado, su reloj y su cadena no estaban puestos y un poco de encaje para su pecho yacía con esas baratijas Y con su pañuelo, y guantes, y algunas flores, y un libro de oraciones, todos confusamente amontonados alrededor del espejo.

No fue en los primeros momentos que vi todas estas cosas, aunque vi más de ellas en los primeros momentos que se podría suponer. Pero, vi que todo lo que en mi opinión debía ser blanco, había sido blanco hacía mucho tiempo, y había perdido su brillo, y estaba descolorido y amarillo. Vi que la novia dentro del vestido de novia se había marchitado como el vestido, y como las flores, y no había brillo más que el brillo de sus ojos hundidos. Vi que el vestido había sido puesto sobre la figura redondeada de una mujer joven, y que la figura sobre la que ahora colgaba suelta se había encogido hasta la piel y los huesos.”

Imagen de cabecera de Wikimedia Oscar Wilde: Fotógrafo desconocido, celebrado en British Library, 1875-1905 y Alexander McQueen Menswear Fall 2017

Por la editora invitada: Jackie Mallon, que está en la facultad de enseñanza de varios programas de moda de Nueva York y es el autor de Silk for the Feed Dogs, una novela ambientada en la industria de la moda internacional.

La moda tiene un gran apetito: marcas y grupos que se aventuran en la cocina

CDMX – Para muchos, la moda es un arte, una manera de expresarse con los demás y un canal de comunicación con el mundo, el reflejo de quienes somos, la muestra de nuestros gustos y estilo; así que, ¿esto que podría tener en común con la gastronomía? Pues para los ejecutivos de la moda y diseñadores… mucho.

En los últimos años hemos visto que el mundo de la moda se ha adentrado al mundo de la gastronomía para crear experiencias completas a sus consumidores. Ahora, no solo estarás comprando un producto de la más reciente colección de tu marca favorita, también lo estarás acompañando con un latte caliente con leche desnatada… o un pedazo de pastel de chocolate… o, para aquellos pendientes de su figura, una ensalada de frutos rojos.

La moda tiene un gran apetito: marcas y grupos que se aventuran en la cocina

¿Necesitas un descanso en tu día de compras?

Marcas y grupos de moda, como la española Bimba y Lola, o el estadounidense, Ralph Lauren, te podrán ofrecer algo más, un llamado: valor agregado. El pionero de esta tendencia ha sido Giorgio Armani, quien desde hace muchos años cuenta con el concepto Giorgio Armani Café el cual se encuentra en diferentes ciudades y capitales de moda el mundo. Dentro de éste, puedes encontrar desde un simple café con leche hasta una cena completa con valor de 250 euros aproximadamente. Sin duda una cena con mucho estilo.

Otro de los pioneros de este movimiento, es el grupo estadounidense Ralph Lauren, el cual abrió su primer restaurante en 1999 en la ciudad de Chicago. Al entrar por las grandes puertas de madera de sus restaurantes, los consumidores no pueden evitar sentirse en una tienda de la marca; grandes paredes de madera adornan el restaurante que se encuentra lleno de mesas redondas y grandes; la decoración incluye las características significativas de la marca: artículos de equitación, grandes sofás de piel café y pisos laminados. En el menú se puede encontrar una variedad de la clásica cocina americana.

¿Sin ganas de salir pero con antojo de algo glamuroso? El dúo predilecto español, las fundadoras de Bimba y Lola, María y Uxía Domínguez han encontrado una manera diferente de adentrarse al mundo de la gastronomía, su acercamiento es mucho más sencillo y es, en definitiva, mucho más moderno. Petra Mora es un sitio de e-commerce en España que se especializa en la repartición de comida gourmet a tu casa, o como en sitio lo dice: en tu casa… o en la que tú quieras.

Entre otros de los grupos de moda que se han inclinado por el mundo de la comida, se encuentran Chanel, Hermès, Bulgari y Gucci, con su famoso Café Gucci. De igual manera, recientemente el gigante de moda rápida, H&M, se unió al grupo de los aventureros en la gstronomia al abrir su primer restaurante de cómida saludable dentro de su megastore en Barcelona.

Sin duda el estilo y el buen gusto se expande a cualquier frontera, Ahora no sólo podremos adquirir nuestros productos favoritos dentro de las tiendas, también podremos comer dentro de ellas.

Fotos: Ralph Lauren

CDMX - Los aficionados del couturier español, Cristóbal Balenciaga (1895-1972) y de sus diseños asombrosos tienen una nueva razón para regocijarse con su trabajo, con una nueva retrospectiva titulada “Balenciaga es el Nuevo Negro”, la cual abre sus puertas al público hoy en París, Francia. Situado en el Museo Bourdelle, la nueva exposición se centra en las prendas negras creadas por Balenciaga a lo largo de su carrera en París, desde 1937 hasta 1968. Se exhibirán cientos de diseños de los archivos de Balenciaga, la casa de moda de 100 años de antigüedad, que van desde vestidos de crepe drapeados hasta trajes perfectamente adaptados. FashionUnited te comparte algunas imágenes de la exposición a continuación.

Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”

Balenciaga es el Nuevo Negro está abierto del 8 de marzo al 16 de julio de 2017 en el Musée Bourdelle de París. Sin embargo, no es la única exposición de Balenciaga que se inaugurará este año, ya que el Victoria & Albert de Londres abrirá otra exposición sobre Balenciaga a finales de este año.

Fotos: Balenciaga es el Nuevo Negro ©Pierre Antoine.

Traducido y editado por Gabriela Maldonado

Veinte años después de la muerte trágica de Lady Diana, una exposición en Londres muestra como la princesa de Gales sacudió los códigos indumentarios de la familia real británica y ascendió a símbolo de la moda.

De los atuendos sencillos de sus primeras apariciones en la prensa, a sus grandes vestidos de noche, la exposición "Diana: su vida a través de la moda", que abre el público este viernes, retrata la evolución del estilo de la princesa de Gales y la afirmación de su personalidad. "Ganó confianza a lo largo de su vida, asumiendo más y más el control de la manera en que se la representaba, comunicándose inteligentemente a través de sus vestidos", explicó Eleri Lynn, comisaria de la exposición en el palacio de Kensington, donde vivió 15 años.

Decidida a asumir plenamente su feminidad, la que fue una de las mujeres más fotografiadas del mundo modernizó el estilo de la Casa Real. Entre las prendas más celebradas, está el vestido largo de terciopelo azul oscuro de Victor Edelstein que llevó a una cena en la Casa Blanca ofrecida por el presidente Ronald Reagan en 1985, con el que bailó con el actor John Travolta al ritmo de la canción "You Should be Dancing".

Apodado "Travolta", el vestido se vendió en subasta por 250.000 libras (297.000 euros, 311.000 dólares) hace 3 años. Otra prenda reseñable es el vestido de seda que lleva en cenas privadas en el palacio de Buckingham en los años 1980, y en el que se pueden apreciar unas marcas de dedos pequeños de uno de sus hijos, Guillermo o Enrique.

La exposición sirve asimismo para constatar como la esposa del príncipe Carlos, una de las mujeres más fotografiadas de la historia, usó su indumentaria con fines diplomáticos. El "vestido del halcón dorado" es un ejemplo. Diana llevó esta prenda de la diseñadora Catherine Walker en una visita a Arabia Saudí en 1986. El vestido de seda color crema llevaba unos halcones dorados bordados, y este pájaro es un símbolo nacional saudita.

Pero fue la ruptura de los códigos reales para entregarse a un estilo más funcional lo que la permitió pasar de "princesa de Gales" a "princesa del pueblo", como la bautizó tras su muerte el entonces primer ministro Tony Blair. Diana reunió un "vestuario de trabajo" más informal, compuesto de trajes-chaqueta de Catherine Walker y otras prendas de sastrería con los que era frecuente verla en sus proyectos caritativos.

Estos trajes estaban diseñados para transmitir accesibilidad en actos de beneficencia, como sus reuniones con personas seropositivas o sus visitas a los niños en el hospital. Después de su separación del príncipe Carlos en 1992, Diana optó por la osadía y los vestidos más cortos y ceñidos, como el que lució en 1997 en una subasta de caridad, y que integra también la muestra.

La exposición se extiende del palacio a sus jardines, donde sus hijos anunciaron su intención de colocar una estatua de su madre, para conmemorar el 20º aniversario de su muerte, el 31 de agosto de 1997 en un accidente en la carretera bajo el puente de Alma de París, cuando era perseguida por paparazzi. (AFP)

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Ciudad de México - Es el comienzo de un nuevo año, donde todos ya estamos ansiosos por ver nuevas oportunidades, inspiraciones y diseños que se harán en la moda este año. Sin embargo, no hay nada como ser capaz de ver la moda en la vida real, poder experimentar el proceso creativo poder adentrarnos en el diseño de cerca y en persona. Las exposiciones de moda son una excelente manera de explorar las raíces de algunas de las principales casas de moda, las tendencias de la moda y los movimientos que han llegado a dar forma y definir la historia de la industria, por lo que FashionUnited ha redondeado a las diez principales exposiciones de moda de 2017.

Hubert De Givenchy - A Audrey con Amor

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: The Gemeentemuseum, La Haya, Holanda

El couturier francés Hubert De Givenchy, fundador de la casa de moda Givenchy, se dice ser uno de los diseñadores principales del vigésimo siglo. Junto con Christian Dior y Cristóbal Balenciaga, ha dejado su huella en la historia de la alta costura. Esta gran retrospectiva de su obra, titulada Hubert de Givenchy - A Audrey con Amor se creó junto con el propio diseñador y ofrece a los visitantes una visión única de su carrera, desde la apertura de su casa de moda en 1952, hasta su jubilación en 1995, centrándose en algunos de los diseños preferidos personales de Givenchy. Por si fuera poco, la exposición también se centra en su amistad con la icónica actriz Audrey Hepburn, al igual que algunos de los diseños llevados por Hepburn, bocetos, fotografías y atuendos usados por ella en algunas de sus películas.

Hubert de Givenchy - To Audrey with Love from Gemeentemuseum on Vimeo.

Cuando: Del 26 de Noviembre al Marzo 26, 2017.

Fotografía: Exhibición: “To Audrey with Love”, Don-Alvin Adegeest, FashionUnited

Al Desnudo: La breve historia de la ropa interior

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: El Museo Victoria & Albert, Londres, Reino Unido

Si te has preguntado alguna vez sobre la historia de la ropa interior, o la evolución del sujetador, entonces esta es la exposición para ti. El Victoria & Albert Museum es actualmente la sede de la exposición más grande de diseño de ropa interior jamás antes vista, donde muestra más de 200 piezas. Titulada Al Desnudo: La breve historia de la ropa interior, la exposición destaca los cambios en el diseño, los temas y la innovación en la ropa interior desde el siglo XVIII hasta la actualidad. Incluye piezas raras hechas a medida, como las "estancias" usadas por una mujer trabajadora en Inglaterra en el siglo XVIII, hasta lencería de Stella McCartney, Rigby & Peller y Paul Smith. Además, la exposición tiene como objetivo explorar la relación entre la moda y la lencería, mirando nuestra noción de cuerpo ideal, sexo y moralidad.

Cuándo: Del 16 de abril de 2016 al 12 de marzo de 2017

Foto: Cortesía de Victoria and Albert Museum

Peter Lindbergh - Una Visión Diferente de la Fotografía de Moda

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Kunsthal, Rotterdam, Holanda.

El fotógrafo de moda Peter Lindbergh es quizás uno de los artistas más célebres de la industria. Se le ha acreditado el lanzamiento de las carreras de las supermodelas de los años 90, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Christy Turlington y su trabajo aún continúa siendo reconocido en toda la industria. A diferencia de otros fotógrafos de moda que utilizan la moda, el glamour y el sexo para crear sus fantasías, el objetivo principal de Lindbergh siempre ha sido capturar la esencia pura y cruda de sus temas con las prendas reales actuando como su idea principal. Esto, combinado con su pasión por la narración de cuentos, los paisajes y la danza, es el foco de su exposición internacional Una Visión Diferente en la Fotografía de Moda, es una retrospectiva creada por Thierry Maxime-Loriot, que incluye fotos, bocetos, notas personales y otros artefactos de los archivos personales de Lindbergh.

Cuándo: 10 de septiembre de 2016 hasta el 12 de febrero de 2017

Fotografía: Adelanto a Prensa en Kunsthal, © Simon Trel Photography http://www.simontrel.com/, FashionUnited

Balenciaga: Formando la Moda

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: El Victoria & Albert Museum, Londres, Reino Unido

El V & A está previsto para albergar otra importante exposición de moda este año, que celebra el trabajo del couturier Cristóbal Balenciaga. La retrospectiva marca la primera exposición del Reino Unido sobre la obra del diseñador y coincide con el centenario de la apertura de la primera tienda de Balenciaga en San Sebastián y el 80 aniversario de la apertura de su famoso salón en Paris. La exposición examinará de cerca la artesanía y la habilidad que hicieron que las creaciones del diseñador fueran tan únicas, mientras se explora cómo sus diseños formaron creaciones futuras. Incluirá más de 100 prendas y 20 sombreros fabricados por el couturier, así como bocetos nunca antes vistos, películas, fotografías y muestras de tela.

Cuándo: 27 de mayo de 2017 al 18 de febrero de 2018

Foto: Cortesía de Victoria and Albert Museum

Rei Kawakubo / Comme des Garçons - Instituto del Traje

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: The MET, Iris y B.Gerald Canton Exhibition Hall, Nueva York, EE.UU.

La exposición del Instituto Costume de primavera de 2017 se centrará en el trabajo de Rei Kawakubo y Comme des Garçons. La exposición explorará la fascinación de Kawakubo con lo intersticial - el espacio entre las fronteras - y contará con 120 diseños de womenswear para Comme des Garçons. Las prendas se remontan hasta el primer desfile de Kawakubo en París en 1981 hasta su colección más reciente y se organizarán temáticamente en lugar de cronológicamente. Con el fin de mejorar el estado "intermedio", los maniquíes utilizados en la exposición se mostrarán a nivel de los ojos, sin barreras físicas, con el fin de romper la distancia percibida habitualmente entre visitante y objeto.

Cuándo: 4 de mayo de 2017 a 4 de septiembre de 2017

Foto: Rei Kawakubo para Comme des Garçons (Japonés, fundado en 1969), "Body Meets Dress - Dress Meets Body ", Primavera / Verano 1997. Cortesía de El Museo Metropolitano de Arte, © Paolo Roversi

Marilyn - Quiero ser amado por ti

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Hotel de Caumont, D'Art Center, de Aix-en-Provence, Francia

Marilyn Monroe es quizás una de las actrices más fotografiadas en la historia del cine. Ha sido fotografiada por algunos de los más célebres fotógrafos de su época: André de Dienes, Milton Greene, Philippe Halsmann, Eve Arnold, Cecil Beaton, Sam Shaw, Ed Feingersh, George Barris y Bert Stern, cosa que contribuyo a hacerla un ícono internacionalmente conocido. La exposición, llamada Marilyn, explora la relación que la actriz tenía con la fotografía y el papel que desempeñó en la creación de su icónica imagen. Con más de sesenta fotografías, la exposición sigue su carrera de modelo pin-up, a una actriz, a la legendaria estrella y cómo su excepcional naturaleza fotogénica contribuyó a su ascenso a la fama.

Cuándo: 22 de octubre de 2016 al 1 de mayo de 2017

Foto: por Milton H. Greene © 2016 Joshua Greene - www.archiveimages.com

El mundo de Anna Sui

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Fashion and Textile Museum, Londres, Reino Unido

Anna Sui es una de las diseñadoras de moda más emblemáticas de Estados Unidos. Su rock and roll de firma, y su estilo romántico es conocido por ser capaz de reinventar la cultura pop tiempo tras tiempo, manteniéndose relevante con cada nueva generación. La exposición El mundo de Anna Sui sigue su ascenso a la fama, comenzando con su primera pasarela en 1991 hasta nuestros días y explora cómo sus diseños han moldeado el curso de la historia de la moda. Esto marca la primera vez que un diseñador estadounidense ha sido el foco de una exposición retrospectiva en el Reino Unido. La exhibición cuenta con más de 100 looks del archivo de Anna Sui, mostrando una lista de Surfers y School Girls, a los Hippies, Mods y Punks.

Cuándo: 26 de mayo de 2017 al 1 de octubre de 2016

Foto: Anna Sui, 2011 © Anna Sui; El mundo de Anna Sui, portada del libro 2017

La Casa de Dior: 70 años de Alta Costura

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: La Galería Nacional de Victoria, Melbourne, Australia

En honor al septuagésimo aniversario de Dior, la casa de moda francesa se ha unido a la Galería Nacional de Victoria para acoger una exposición retrospectiva única. Titulada Casa de Dior: setenta años de alta costura , la exposición cuenta con más de 140 prendas diseñadas por Christian Dior Couture entre 1947 y 2017, lo que la convierte en la mayor retrospectiva de Dior en Australia. La exhibición explora la historia de Dior, examinando piezas clave de los siete diseñadores que han jugado un papel fundamental en la configuración de la identidad de la casa de moda: Christian Dior, Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons y Maria Grazia Chiuri. La exposición también se centra en las primeras influencias de Christian Dior, los códigos de diseño, al igual que ofrece una visión de sus talleres de trabajo, así como el papel de los accesorios.

Cuándo: 27 de agosto de 2017 a 7 de noviembre de 2017

Foto: Dior SS17, Catwalkpictures.com

Diana: Su Historia de Moda

Dónde: Kensington Palace, Londres, Reino Unido

A pesar de que han pasado casi 20 años desde su muerte, el estilo de la princesa Diana sigue viviendo y será homenajeado en una exposición especial en el Palacio de Kensington. Titulada Diana: Su historia de la moda , la exposición sigue la evolución del estilo de la princesa Diana, empezando por los clásicos y románticos trajes de sus primeras apariciones públicas, hasta el aire elegante, glamuroso y sofisticado que exudó más tarde en la vida. La exposición está destinada a mostrar una serie de sus trajes favoritos, incluidos los vestidos de noche usados en los compromisos en la década de 1980, hasta los trajes de Catherine Walker conocidos como "vestuario de trabajo" de la princesa Diana en la década de 1990. También está dispuesta a examinar su relación con sus diseñadores favoritos en ese momento.

Cuándo: Abre 24 de febrero 2017

Museo Yves Saint Laurent

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Museo Yves Saint Laurent, Marrakech, Marruecos y París, Francia

No uno, sino dos museos dedicados a la obra del difunto Yves Saint Laurents, abrirán sus puertas este año. Situados en París y Marrakech, los museos están dispuestos a ofrecer a los visitantes una mirada más cercana a la vida y la carrera de la amada couturier. Este último de los dos museos tiene un significado especial, ya que se dice que la propia ciudad tiene un profundo efecto en la vida del couturier. Juntos, la Fundación Pierre Bergé - Yves Saint Laurent y la Fundación Jardin Majorelle abrirán el museo Yves Saint Laurent Marrakech este otoño, que contendrá una selección de la obra del diseñador. El edificio del museo fue diseñado por la firma de arquitectura francesa Studio KO, y está situado junto al Jardin Majorelle, que el diseñador salvó de la destrucción, junto con su único compañero de vida Pierre Berge, en la década de 1980.

Cuándo: Otoño de 2017

Foto: Cortesía del Studio KO, Musee Yves Saint Laurent, Marrakech

Foto de Portada: Peter Lindbergh Press Preview en el Kunsthal, © Simon Trel Photography, FashionUnited.

En imágenes: 10 libros de moda que podrían ser el regalo perfecto estas fiestas

Un libro de mesa es el producto clave para la decoración de tu sala, además de ser uno de los productos más vendidos dentro de las casas de moda, ningún fanático de la moda puede vivir sin uno o dos. Con las fiestas esperando en nuestras puertas, FashionUnited ha decidido hacer una lista de los mejores libros de mesa publicados este año que pueden ser el regalo perfecto, después de todo, un libro de moda ES el mejor regalo que alguien puede recibir, o ¿Hablo solo por mí?

Prêt-à-portea

Para todo aquel que ama la moda... y la cocina, este libro es un must, lleno de cosas chic y deliciosas inspiradas en las pasarelas de Jimmy Choo, Moschino y Zac Posen. El libro también incluye la famosa gabardina de Burberry en galletas y los bolsos de Anya Hindmarch en pastel. Mourad Kahiat, la jefa de repostería ‘Berkeley’ ha creado a mano todas las recetas del libro. El hotel basado en la ciudad de Londres, es conocido por sus planos inspirados en la industria de la moda y cada temporada ofrece galletas y magdalenas inspiradas en los looks de cada pasarela. Este libro increíblemente dulce está actualmente en el mercado por 12.05 libras cada uno en amazon.com

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Portada: The Berkley, Facebook

Alexander McQueen Unseen

El número de libros de mesa inspirados en el fallecido diseñador publicados desde su muerte, es enorme, un número que casi compite con todos los libros publicados de las casas de moda más grandes, como Dior, Prada y Chanel, por mencionar algunas. Sin embargo, este nuevo libro del diseñador “Alexander McQueen, ‘Unseen’” incluye imágenes detrás de pasarelas completamente inéditas y nuevas, fotografiadas por Robert Fairer. Las imágenes son acompañadas por comentarios de Claire Wilcox, curadora del Museo Victoria & Alberto, y la mente maestra detrás de la exhibición ‘Alexander McQueen: Savage Beauty.’ Wilcox celebra el brillo y gran espíritu del diseñador y de su trabajo, ‘único’ lo llama. Esta publicación se encuentra por 31 libras en Amazon.

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Portada: Thames & Hudson, Twitter

The Fashion Set: El arte de una pasarela

Un libro necesario en los estantes de todo amante de la moda y teatro. ‘The Fashion Set: El arte de una pasarela’, se concentra en el arte de ser anfitrión de una pasarela y la importancia detrás de cada presentación. Este libro de mesilla está escrito por Federico Poletti y Georgia Cantarini, y se enfatiza en la transformación de los desfiles de moda y por todo lo que han pasado en la última década, al igual el camino que los han llevado a convertirse en una verdadera obra de arte… o al menos todos aquellos al alcance de las grandes casas de moda. Hoja tras hoja se pueden observar modelos caminando por las pasarelas de Karl Lagerfeld, quien mostro una colección de Fendi frente a la Muralla China, los desfiles de moda se han convertido en el centro de la atención dos veces al año, así que, ¿Por qué no revivirlos cada vez que quieras en tu mesilla del salón?

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Portada: Amazon

Gucci – Ciego de amor

Gucci lanzo una edición limitada de un libro de mesa llamado: Gucci, ciego de amor. El título, así como su contenido, actúa como una referencia visual de la colección Cruise 2017 de la casa de moda italiana, la cual tomo lugar en Westminster Abbey. Dirijida por el director Alessandro Michele, el libro continúe fotografías de la pasarela y algunas detrás de bastidores fotografiadas por el artista británico Nick Waplington. Un dato curioso: La portada del álbum que continúe la canción que fue reproducida durante la pasarela, presenta una imagen de la Reina Elizabeth I, quien fue coronada en la Abadía de Westminster el 15 de enero de 1559.

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Foto: Captura de pantalla de la página web, Assouline

Victoria Beckham: Poder del estilo

El libro de mesa ‘Victoria Beckham: Style Power’ visualmente nos muestra el camino de la diseñadora como un miembro de las Spice Girls hasta convertirse en icono del estilo y diseñadora respetada por la industria. El libro, se dedica al estilo y estática de la diseñadora, al igual que su impacto y evolución, también se toca el desarrollo de su marca, desde su colección capsula en 2009 hasta la ahora una de las favoritas de la industria. El libro de Victoria Beckham esta preciado por 14.95 libras.

En imágenes: 10 libros de moda que podrían ser el regalo perfecto estas fiestas

Foto: captura de pantalla de Bol.com

Louis Vuitton, el ojo de la moda

La casa de moda francesa, Louis Vuitton, ha lanzado 5 nuevos libros en uno este año: ‘Fashion Eye Miami, Paris, Shanghai, California e India.’ La marca de lujo comisiono a tres talentos emergentes para establecer las fotografías dentro del libro, los cuales fueron Jeanloup Sieff, Kourtney Roy y GuyBourdin, para capturar las ciudades, países o regiones más importantes dentro de la escena de la moda. Los resultados son catalogados en este libro de mesa, el cual está disponible separado o por seciones y unido en una edición limitada.

Versace

La muy esperada autobiografía de Donatella Versace es algo necesario para todos los fans de Versace. Escrito por el icono misma, junto con Maria Luisa Frisa y Stefano Tonchi, el libro sigue el crecimiento de la casa italiana de moda y como es que una compañía familiar se ha convertido en una marca de moda líder.‘Versace’ incluye fotografías de sus últimas pasarelas, al igual que imágenes inéditas de backstage pertenecientes al archivo de la marca, tomadas por fotógrafos importantes como, Richard Avedon, IrvingPenn y Steven Meisel. El libro incluye un número de fotografías originales de supermodelos quienes modelaron para Versace en el pasado, como Christy Turlington, Naomi Campbell y Linda Evangelista. ‘Versace’, publicado por Rizzoli, esta preciado en 95 dólares.

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70 Años de Dior Por Christian Dior

En honor al 70º aniversario de la casa de moda francesa, Dior ha publicado el primer volumen perteneciente a una serie de 7 volúmenes dedicados a su historia. Cada volumen está dedicado a un diseñador diferente perteneciente a la casa de moda, empezando por el fundador propio, Christian Dior, quien fundó la marca en 1946; Seguida de ediciones celebrando el trabajo diferente de cada diseñador que ha pasado por su despacho creativo, empezando por Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, JohnGalliano, Raf Simons y por último, Maria Grazia Chiuri. El primer volumen esta titulado, 'Dior por Christian Dior 1947-1957' y está actualmente disponible en francés, inglés y chino por 195 dólares. Los otros 6 volúmenes estarán disponibles entre el 2017 y 2018.

En imágenes: 10 libros de moda que podrían ser el regalo perfecto estas fiestas

Foto: Captura de pantalla Assouline

The Coveteur: Espacios privados, estilos personales

Este libro en particular, es un tipo de libro de mesa que los lectores amarán y donde tendrán la oportunidad de moldear y convertir sus guardaropas en todo aquello que siempre quisieron, siguiendo los consejos de muchos de los más importantes influenciadores del mundo de la moda, piensa en Karlie Kloss, Jessica Alba y Tommy Hilfiger. Publicado por TheCoveteur.com , el libro celebra el 15 aniversario de la página web, compartiendo fotografías, comentarios acerca de los closets más importantes de la industria. Las fotografías son tomadas por Jake Rosenberg, quien captura sus piezas favoritas y accesorios importantes de cada uno de los guardarropas. ‘The Coveteur: Private Spaces, Personal Style’ está a un precio de 17.95 libras en Amazon .

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Vetements Summercamp 2

El libro debut de la marca utbana, Vetement estuvo agotado en un solo día, así que el volumen dos de esta serie nos tienen ansiosos. Titulado, ‘Summercamp 2’, es un libro de 480 páginas que le paga un homenaje a la colección de Primavera/Verano 2017, al igual que a sus colaboraciones con Juicy Couture, Brioni, Champion y Manolo Blahnik. Las imágenes de este esperado libro de mesa, fueron tomadas por el fotógrafo Pierre-Ange Carlotti, con el libro a un precio de 50 euros en línea.

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Para Audrey Hepburn con amor, de parte de Givenchy

Una de las historias de amor platónico más célebres de la moda estuvo a punto de chafarse. En los años 1950, Hubert de Givenchy se negó a vestir a la joven Audrey Hepburn, pero eso fue antes de cenar con ella y caer rendido a su encanto. "Cuando Audrey vino para pedirme que le hiciera los vestidos para la película Sabrina, no sabía quién era y esperaba a Katharine Hepburn", cuenta durante la inauguración de una exposición en La Haya sobre sus modelos para la actriz.

"Ella llegó frágil, simpática, joven, con chispa", vestida "como una jovencita de entonces", con un pantalón de algodón, bailarinas, una camiseta que dejaba ver el ombligo y un sombrero gondolero en la mano. "No estaba en condiciones de hacer un gran vestuario para Sabrina y le dije no, señorita, no puedo vestirla", añade el diseñador, quien afirma que no tenía suficientes empleadas en sus talleres.

Para Audrey Hepburn con amor, de parte de Givenchy

Ante esa contestación, Audrey Hepburn lo invitó a cenar, "algo sorprendente para una joven educada". Al final de la comida, Givenchy, seducido por su encanto, le propuso que volviera al día siguiente a su taller de costura. "Con la cintura que tenía, todo le sentaba bien", recuerda Givenchy, de 89 años. "Me convenció. Y qué afortunado fui de haber aceptado". En la película interpretada junto a Humphrey Bogart en 1954, Audrey Hepburn lució un vestido color marfil bordado con flores negras. Lleva la firma Givenchy. A partir de entonces pidió al diseñador francés que la vistiera para la películas. Ese mismo año se puso otro vestido marfil floreado para recibir un Oscar.

"To Audrey with love", en el Gemeentemuseum de La Haya, rinde homenaje a Audrey Hepburn mediante obras maestras de raso, tul y seda que la actriz lucía con elegancia. Hubert de Givenchy preparó durante un año esta exposición moderna y nostálgica a la vez, mimando cada detalle y cada uno de los 100 modelos presentados. La estrella de Hollywood lució un tercio de ellos.

Protegida por un trocito de seda

Destaca el traje de crepé de lana con guantes de cuero de "Charada" (1963), el vestido de fiesta con transparencias y terciopelo, tul y lentejuelas de Lazos de sangre (1979) o el famoso vestido negro con una miríada de perlas de Desayuno con diamantes (1961).

Para Audrey Hepburn con amor, de parte de Givenchy

"El estilo de Audrey llegó con una silueta tan distinta, tan actual", asegura el diseñador. Los dos se entendieron de maravilla, tanto en moda como a nivel personal. Se comprendían el uno al otro, "lo que le gustaba, lo que podía ponerse". "Las prendas de Givenchy son las únicas en las que me siento yo misma. Más que un estilista es un creador de personalidad", declaró la actriz, nacida en 1929, sobre su amigo Hubert, al que llamaba a veces "solo para decirle te amo".

La que fue embajadora de buena voluntad para Unicef desde 1988 dio muchas entrevistas en televisión en las que aparecía con una camiseta de raso o de seda. Cuando le contaba los horrores de la guerra a su amigo solía decirle: "Con este trocito de seda, me siento protegida, porque tu estás cerca de mí".

Para Audrey Hepburn con amor, de parte de Givenchy

Cinco años más tarde los volvió a unir una prenda. El diseñador viajó a Suiza, donde vivía su amiga, aquejada de dos cánceres. Ella le regaló un abrigo acolchado de color azul marino: "Cuando seas desdichado, póntelo y te dará valor". "Desde Ginebra a París, lloré con el anorak que Audrey me regaló", contó más de veinte años después de la muerte de una mujer que sigue siendo todo un icono. "Audrey no ha pasado de moda. Es actual. Y su imagen sigue maravillándonos", asegura Givenchy. (AFP)

Photo: FashionUnited / Natasja Admiraal, Audrey Hepburn in Breakfast at Tiffany’s Foto: George Rinhart/Getty Images

El diseño y la moda llegaron al Centro Cultural de la Ciencia

El diseño y la moda se instalaron durante noviembre en el Centro Cultural de la Ciencia, de Buenos Aires. Durante todo el mes hubo talleres, charlas, exhibiciones y conferencias donde se pudo ver que tanto la moda como la ciencia no son temas tan lejanos. “Dentro de todas las excusas para contar que la ciencia es parte de la vida cotidiana, la de la moda es una de las más interesantes porque es muy cercana a cualquiera, sea del mundo de la moda o no. Te pude hacer reflexionar de dónde sale lo que tenés puesto, qué innovaciones, creatividad, o qué procesos tecnológicos hubo para llegar a distintos géneros. Detrás de este concepto guía de moda hay todo un mundo para mostrar que acá hay ciencia y tecnología” explicó Diego Golombek, Director del organismo.

Entre las actividades destacadas estuvo la charla performática del diseñador Martín Churba y el experto en nanotecnología, Galo Soler Illia.

El broche de oro fue el desfile donde se presentaron las propuestas de diez duplas creativas formadas por reconocidos diseñadores y científicos de prestigio.

El evento despertó el interés de la industria y desde la organización prometieron que habrá más de moda y ciencia en 2017.

Deslice el mouse por el ícono "i" de las fotos para más información".

El diseño y la moda llegaron al Centro Cultural de la Ciencia

Puentes para un desfile

Según contaron, armar los equipos de científicos y diseñadores no fue una tarea fácil, aunque el recorrido hacia la pasarela significó un aprendizaje que trajo muchas satisfacciones. “Como punto de partida invitamos a las duplas a charlar un rato. Hubo sorpresa por la convocatoria, pero muy buena predisposición. Les dimos mucha libertad y la idea fue que presentaran una prenda o un objeto, aunque fuera efímero” comentó Guadalupe Díaz Constanzo, referente del proyecto.

El diseño y la moda llegaron al Centro Cultural de la Ciencia

Las duplas participantes fueron:

La Doctora en Ciencias de la Física, Gabriela Capeluto y las diseñadoras Chain - García Bello. El equipo trabajó sobre la luz, los materiales y la percepción.

Luis Cappozzo, Doctor en Ciencias Biológicas, y la diseñadora, Cecilia Gadea desarrollaron una propuesta sobre el océano y la vida marina como origen.

La Doctora en Biología, Silvana Sede y Nadine Zlotogora hicieron foco en la botánica.

La especialista en Microbiología, Arlinet Kierbel y Vicki Otero basaron su propuesta en las células, las bacterias y las infecciones.

El Doctor en Ciencias de la Computación, Diego Fernández Slezak y la diseñadora de moda masculina, Carla Cando trabajaron con temas de inteligencia artificial, los símbolos y el lenguaje.

Omar Coso, investigador especializado en Fisiología y Biología Molecular y Jessica Pullo diseñaron una propuesta basada en la sustentabilidad y el compromiso social.

La Doctora en Ciencias Geológicas, Noelia Carmona y Fernando Martumanian desarrollaron una propuesta sobre la tierra, la erosión y las olas.

Andrea Buccino, Doctora en Ciencias Físicas y Camila Milessi de la marca Kostume trabajaron sobre astro física.

La Doctora en Biología, Lidia Szczupak y Romina Cardillo de Nous Etudions utilizaron la temática de las neurociencias.

El investigador, Pablo Amster y la Directora Creativa de Ay Not Dead, Noel Romero elaboraron una propuesta sobre las matemáticas.

“Nos dimos cuenta de que las cosas iban más allá de lo que nos imaginabamos a partir de que las duplas empezaron a planear más encuentros para seguir desarrollando el proyecto. Nuestra idea fue hacer un seguimiento del proyecto, pero ellos lo tomaron como propio con muchísimo más entusiasmo del que esperábamos”, comentó Díaz Constanzo.

Golombek contó que el desfile fue más allá de la presentación de estas propuestas: “Participaron estudiantes y diseñadores emergentes con prendas que tuvieron que ver con temas de desarrollo tecnológico en los materiales o en algo relacionado con el diseño”.

El diseño y la moda llegaron al Centro Cultural de la Ciencia

La Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UBA, la Uade y la Universidad de Morón y el Centro Metropolitano de Diseño, entre otros, brindaron su apoyo para este evento.

El diseño y la moda llegaron al Centro Cultural de la Ciencia

Una apuesta a futuro

El Centro Cultural de la Ciencia es un organismo dependiente del Ministerio de Ciencia y Tecnología de Argentina, que se ocupa de tareas de divulgación y promoción La cuestión de unir la moda y la ciencia fue algo inédito e hizo visibles algunos temas y necesidades por las que atraviesa la industria de la moda local. “Se evidencia una necesidad del mundo del diseño textil de otro tipo de ideas, otro tipo de interacciones y otro tipo de inversiones que, incluso, no teníamos previstas. Tal vez sea un rol de este Ministerio, desde el lado de la tecnología y la innovación, abrirse al mundo textil y ver si habrá que hacer herramientas de financiamiento o, al menos, propiciar lugares de encuentro de estos distintos actores de la sociedad como científicos, diseñadores, etc.”, dijo Golombek.

El diseño y la moda llegaron al Centro Cultural de la Ciencia

Sin dudas, esta primera edición despertó el interés de varios representantes de la industria demostrando que la relación entre la ciencia y la moda tiene un potencial que hoy parece inagotable.

Fotos: Centro Cultural de la Ciencia

Loewe cumple 170 años y los celebra de la mejor manera

La marca española Loewe estará celebrando los 170 años de su fundación de la mejor manera posible, con una exposición de arte que reflejará su historia y que se realizará en el Pabellón Villanueva, un antiguo invernadero del Real Jardín Botánico de Madrid. La exposición “Past, Present, Future de LOEWE” estará disponible hasta el 9 de diciembre de 2016.

La exposición contará con un avanzado sistema tecnológico que ayudará a proyectar piezas de arte en una plataforma de acrílico. Las piezas que se expondrán en esta celebración son piezas sacadas de los archivos de Loewe; Por ejemplo, artesanía en piel más avanzada y el diseño funcional más puro, al igual que paredes y suelos se cubrirán de evocadoras imágenes que sin duda dejarán ver la riqueza histórica y el impulso actual de la casa.

La segunda sección de esta exposición presentará 13 imágenes inneditas, obra de Steven Meise. Junto con esta celebración, para sus 170 años de historia, Loewe lanzará al mercado un calendario 2017 con fotografías de la casa de moda, al igual que un libro editado por Luis Venegas.

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Fotografías y video: Página web /Instagram Loewe.

Tommy Hilfiger y el contratiempo de ponerse "demasiado" de moda

ENTREVISTA Ponerse "demasiado" de moda puede ser negativo para el negocio, contó el ícono de la moda Tommy Hilfiger en una entrevista donde habló de la reinvención de su marca tras la desmesurada fama que ganó en los años '90.

Vestido con un pantalón rojo, una camisa blanca con rayas azules y zapatos deportivos blancos -en perfecta sintonía con su logo-, el diseñador de 65 años charló con AFP sobre la evolución de su marca y su libro de memorias "American Dreamer", en el marco de la Feria del Libro del Miami Dade College.

Uno de los puntos de inflexión de la marca Tommy Hilfiger ocurrió en los años 1990, cuando artistas del hip hop comenzaron a usar su ropa.

Sí, comencé a producir ropa de tipo atlético, con grandes números y logos enormes, y los raperos comenzaron a usarla. Snoop Dogg, Puff Daddy, Jay Z. El negocio creció mucho por eso, hasta que la marca se volvió demasiado grande.

Lo que ocurre en estos casos es que, cuando todo el mundo usa lo mismo, los primeros usuarios ya no lo quieren más porque lo ven en todas partes. Es lo que ocurrió recientemente a Abercrombie & Fitch e incluso a Gap. Así que tuvimos que reinventarnos hasta que el negocio se disparó de nuevo.

También por esos años circuló un rumor según el cual usted había dicho a Oprah Winfrey que su ropa no estaba pensada para ser llevada por las minorías. ¿Cómo le afectó?

Es una mentira, es falso, fue algo hecho para hacerme daño a mí y a mi negocio. Habían dicho que yo, en el programa de Oprah Winfrey, dije que de haber sabido que las personas de color iban a usar mi ropa, no me habría vuelto diseñador. Pero el negocio siguió siendo firme y los números no se vieron afectados, aunque me hizo mucho daño en lo personal. ¡Yo nunca habría producido ropa accesible para todos si no hubiera querido que todos usaran mi ropa!

Tommy Hilfiger y el contratiempo de ponerse "demasiado" de moda

Cuéntenos de sus inicios, cuando fundó la pequeña tienda "People's Place" en el norte del estado de Nueva York.

Cuando era adolescente no sabía qué hacer con mi vida. Me gustaban el rock y la ropa que usaban los roqueros, y abrí una pequeña tienda con 150 dólares que había ganado trabajando en una estación de gasolina. Comencé con 20 pares de jeans en una tienda pequeña y luego me expandí a los campus universitarios.

Era 1969, cuando tenía lugar una revolución de la moda y de la música. Era el verano de Woodstock, de Jimmy Hendrix y The Who. Y todos estos músicos usaban ropas increíbles: pantalones bajos, cintas en la cabeza, collares de cuentas... Era la moda hippie. Y yo quise ser parte de ese movimiento.

¿Y cuándo evolucionó de ese estilo hippie al clásico americano actual?

Hacia principios de los años '80, porque quería crear ropa que todos pudieran usar. Sabía que si rediseñaba los clásicos americanos y los volvía clásicos nuevos, haría un gran negocio y al mismo tiempo me divertiría mucho. Así que elegí este estilo con el que crecí, de camisas de botones y pantalones de pinzas, deportivo, casual, y lo rediseñé para volverlo nuevo y fresco.

Pero su gran momento no llegó hasta 1986, gracias a un cartel luminoso que lo dio a conocer.

Sí. No tenía dinero para hacer publicidad, pero conocí al genio de George Lois, que me dijo: 'Si publicitas de la misma manera que hacen los demás en la industria de la moda, te tomará 20 años construir una marca. Tienes que hacer algo diferente, perturbador, fuera del molde'. Y su idea fue compararme a mí, un desconocido, con tres grandes diseñadores del momento: Ralph Lauren, Calvin Klein y Perry Ellis.

Cuando instalaron el cartel en el Time Square de Nueva York, ponía una lista de 'Los cuatro grandes diseñadores estadounidenses', y yo era el cuarto. La gente decía: '¿Quién es este tipo?'; '¿Quién se cree que es?'; y luego: '¿Por cierto, cómo es su ropa?'. Y todos fueron a ver mi ropa. Hay que romper el molde, hacer algo distinto. Sólo así se consigue el éxito. (AFP)

Photos: Courtesy of PVH Corp and Tommy Hilfiger